Il y a longtemps que la courte vie de cet empereur a fasciné peintres, cinéastes et écrivains dont Antonin Artaud avec un texte peu connu, Héliogabale ou l’Anarchiste couronné. « Ce livre envoûtant, le plus construit et le plus documenté des écrits d’Antonin Artaud, est aussi le plus imaginaire, dit Jean-Marie Gustave Le Clézio. Qui n’a pas lu Héliogabale, n’a pas touché le fond même de notre littérature sauvage. » Jean Genet écrivit aussi Héliogabale avec, une pièce inédite (1942) qui vient d’être éditée. Mais la courte vie de ce jeune empereur inspira aussi des romans et La dernière prophétie, une série de bandes dessinée de Gilles Chaillet.
En peinture, Les Roses d’Héliogabale de Sir Lawrence Alma-Tadema, puis Héliogabale, Grand Prêtre du Soleil (1886) de  Simeon Solomon, et enfin plus proche de nous, Heliogabalus (1974) du grand Anselm Kiefer. Le cinéma s’empara aussi très vite de ce mythe avec en 1909, Héliogabale d’André Calmettes. Et deux ans plus tard, Héliogabale ou l’Orgie romaine, sortit un court-métrage de Louis Feuillade.
Comme la musique, Eliogabalo, un opéra de Pier Francesco Cavalli qui fut créé à Venise en 1667. Puis en France, sera jouée une tragédie lyrique de Déodat de Séverac (1874). Et le saxophoniste et compositeur John Zorn écrivit Six litanies for Heliogabalus il y a sept ans seulement.

Bref, la vie de cet empereur mythique continue à fasciner. Alain Pastor (soixante-six ans) se présente d’abord dans le programme sur papier glacé, et nous ne vous épargnerons rien de cette énumération sans doute essentielle pour lui: « Officier de l’Ordre de Saint-Charles, Officier de l’Ordre du Mérite Culturel, Chevalier de l’Ordre des Grimaldi, Président honoraire de l’Alliance française, le tout à Monaco. Et en France, Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres, Chevalier de l’Ordre des Palmes Académiques.
Et ce dramaturge a obtenu en 97 le premier prix au concours international littéraire Arts et Lettres de France, pour sa première pièce Oedipe meurt ou Echec et mat, présentée la même année au Théâtre de La Lucarne à Bordeaux. En 2002, Héliogabale est édité aux éditions du Losange avec une préface de Pierre Moinot de l’Académie française. Il écrit en 2006 une pièce Pétropolis 1942 ou La dernière nuit de Stefan Zweig publiée la même année chez l’Harmattan. Le Guide Le Petit Fûté Brésil fait mention de l’ouvrage dans sa présentation de la ville de Pétropolis. (sic). En 2018, lecture-spectacle d’Héliogabale, mise en espace par Pascal Vitiello.
Et en 21, est créée au Théâtre Princesse Grace à Monaco dans le cadre de la programmation officielle (sic),  Le Rêve de Mercier avec pour thème, le tragique destin de Françoise-Thérèse de Choiseul-Stainville, princesse de Monaco sous la Terreur. Puis l’année suivante au théâtre de la Contrescarpe à Paris et, en 23, au Théâtre des Variétés de Monaco et à l’Espace Lumen, à Bruxelles. En  24, au cas où cela vous aurait échappé, la création d’Héliogabale eu lieu au même théâtre à Monaco, avec Geneviève Casile, sociétaire honoraire de la Comédie-Française, Mickaël Winum et Bernard Lanneau.  Ouf! Enfin, vous savez tout.

Sur le plateau, un fauteuil pliant en lattes de bois, en guise de trône, deux socles noirs, l’un bas pouvant servir à s’asseoir et l’autre plus haut, avec un flacon et deux tasses en terre cuite. En fond de scène, un écran où défilent des nuages et quand cela commencera à aller mal pour Héliogabale, un vol de corbeaux noirs sous un ciel menaçant, une image vue et revue…  Et au début,  vous reprendrez bien une petite dose de fumigène (la quarantième au compteur au moins depuis début 2024, une véritable épidémie).
«Cette histoire violente et presque sauvage m’a paru non seulement l’affrontement de deux religions et de deux cultures, mais surtout le symbole d’un pouvoir qui finit par se haïr et se détruire lui-même.» dit Pascal Vitiello qui a mis en scène cet opus montrant surtout les rapports difficiles du jeune empereur-presque tout le temps en scène-avec sa grand-mère, redoutable manipulatrice mais aussi avec Comazon, le préfet de Rome au double jeu…
Pour le réalisateur, lumières, création vidéo et environnement sonore, mise en scène épurée, ponctuent le spectacle. Mais il n’y a pas de rythme, les lumières surlignent trop souvent le texte et la direction d’acteurs est approximative et sans guère d’unité.  Geneviève Casile (La Grand-Mère), Michaël Winum (Héliogabale) et Gérard Rouzier (le Préfet de Rome) font le boulot et ont heureusement tous une excellente diction. Pourtant,  rien à faire, aucune émotion ne surgit de ce texte aux dialogues bavards et ennuyeux, avec parfois même des cacophonies (voir plus bas) , sans aucune dramaturgie efficace et qui ronronne une heure et demi durant… Les courtes scènes, la plupart à deux personnages, se succèdent mais ne sont pas convaincantes!

Que sauver? Sans doute une dizaine de répliques entre la grand-mère,  aussi impitoyable que cynique, et le jeune et imposant Héliogabale et à la fin, le récit de l’horrible fin du jeune empereur. « Héliogabale est mort ! Un soldat l’a frappé d’un coup d’épée, d’autres ont accouru pour s’assurer que c’était fini. Il gisait dans les latrines au milieu de l’urine et des excréments ! Alertés par la rumeur du crime accompli, des hommes se sont approchés du corps, puis tels des fauves se partageant une carcasse, ils l’ont traîné dans les rues de la ville, afin que sur son passage le peuple de Rome conspue son empereur disloqué. Les soldats soutenus par des plébéiens en furie ont voulu le jeter dans une bouche d’égout. Après deux échecs, ils l’ont basculé du pont Aemilius dans les eaux noires du Tibre, près de la Cloaca maxima, où l’on déverse les ordures de la ville. »
Les images vidéo de l’embrasement de Rome sont aussi assez impressionnantes. Mais ce texte d’une heure et demi bien longuette, ne fait pas sens et ne laissera aucun souvenir. Enfin, si cela vous tente, la chose se jouera dans le off au prochain festival d’Avignon. Allez plutôt voir -en priorité- le fameux Repas des Gens, créé en décembre dernier à La Criée à Marseille (voir Théâtre du Blog) et qui se jouera tout le mois au Théâtre des Halles. C’est vraiment fort, et en plus très drôle!

Philippe du Vignal

Spectacle vu le 15 mai au Théâtre La Bruyère, 26 rue La Bruyère, Paris (VIII ème).

Du 29 juin au 21 juillet, Théâtre des Gémeaux, Avignon ( Vaucluse).

Macbeth, d’après William Shakespeare, traduction d’Yves Bonnefoy, adaptation, mise en scène ey scénographie de Silvia Costa

C’est une affaire de songe. L’épouse du général Macbeth a eu une vision : «Tu seras roi ». C’est une histoire de guerrier  et Macbeth vient de gagner une bataille contre le traître Cawdor allié aux ennemis de son roi Duncan. Une journée «sombre et claire», dit-il. Les guerriers sont parfois superstitieux et celui-ci rencontre trois sorcières (ou «sœurs fatales», ce qui est plus beau). A leur tour, elles lui prédisent qu’il portera le titre de Cawdor et qu’il sera roi.
Enfin, de la bouche du Roi (le vrai), Macbeth s’entend récompensé de sa victoire, par le titre de Cawdor. Le réel fait irruption dans les prédictions et tout est ébranlé. De, là à en déduire qu’il sera roi, il n’y a qu’un pas, bien difficile à franchir , s’il n’était poussé en avant par sa femme… Et on se demande si elle ne serait pas la première des sorcières.

Les prophéties s’enchaînent : oui, il sera roi, mais ce sont les descendants de Banquo, vainqueur avec lui, qui lui succèderont sur le trône. Il faudra donc éliminer Banquo. Et les vengeances possibles et probables ? Méfie-toi de Macduff ? Bon, on le tuera. Bien que « jeune dans le crime», Macbeth commencera à s’y habituer. Un nouvel oracle tempère : aucun homme «né d’une femme » ne pourra le tuer et personne ne pourra le vaincre, à moins que la forêt de Birnam ne se mette en marche. L’impossible même, donc les nuages, s’éloigne. Mais les Dieux, ou plus modestement les sorcières, aveuglent ceux qu’ils veulent perdre…
D’autres nuages plus lourds apparaissent : ceux des désirs, de plus en plus exigeants. C’est l’aveuglement progressif du héros qui conduit « la pièce écossaise » vers la tragédie : la prophétie éclaire le destin mais éblouit et prend l’imagination au piège. Ainsi Macbeth progresse sans cesse vers le pire, faute sur faute, l’une commise pour essayer en vain d’effacer l’autre. Le tragique : les rêveries de pouvoir, les illusions de l’ambition engendrent du réel, inévitablement sanglant avec des cauchemars qui mènent à la folie.

Silvia Costa a beaucoup élagué la pièce et écarté les personnages secondaires. Pourquoi pas ? On y perd quelques intermèdes comiques, pourtant nécessaires au drame. Macbeth est à la fois une pièce d’action et une tragédie : la metteuse en scène a choisi la tragédie au sens le plus abstrait, en laissant de côté la guerre et les rivalités politiques dans un monde régi par la loyauté et un pouvoir royal de droit divin, pour se concentrer sur un tragique abstrait.
La pièce serait l’histoire du Mal, sous une double figure: celle, indécise mais agissante, de Macbeth et celle, féminine et résolue mais privée de glaive, d’une lady Macbeth frustrée. On sait comment le sang se venge en imprimant sur sa main coupable, la tache que «tous les parfums d’Orient» ne pourraient laver. Ce serait elle l’homme  du couple, si seulement, elle n’était pas née femme. Situation contre nature, comme tout ce qui déclenche cette série de crimes et le suicide de cette femme-homme.

Silvia Costa joue beaucoup des sons, murmures, grincements, souffles, battements de portes ; cela rappellent les anciens films d’horreur mais ces effets un peu naïfs font sourire. Plus gênante est la déformation des voix : on y perd du texte et du jeu, bien qu’il n’y ait aucun reproche à faire aux acteurs, au contraire. La lumière également poussée vers le noir, semble venir en pléonasme et assombrir l’affaire. « Le clair est noir, le noir est clair » est une des énigmes au début de Macbeth : ici, le clair va s’évaporer, ce qui est logique mais il nous manque souvent, à la fois en contraste et dans sa brutalité nécessaire.
Cette ancienne collaboratrice de Romeo Castellucci, crée de belles images, parfois justes, dont celle du Messager se glissant sous un tapis rouge fluide qui va l’absorber comme une immense flaque de sang . Ou celle, enfantine et réussie, de la lignée de Banco figurée par une ribambelle de chemises de taille croissante sur un fil… Ou encore le prologue joué par une lady Macbeth changée en Parque, masquée par ses cheveux qu’elle déroule et arrache comme les fils du destin, sous le portrait immobile puis tourbillonnant de Macbeth (Noam Morgensztern)… D’autres images relèvent de l’erreur obstinée et des objets monumentaux descendent parfois des cintres, rendant la scène pompeuse sans lui donner plus de poids.
La metteuse en scène installe entre les paroles de longs temps qui, le plus souvent, ne « jouent» pas et alourdissent le spectacle. Dans le décor gothique qui succède à l’ espace vide, Silvia Costa place une sorte de confessionnal où, encadrés comme sur un tableau d’église, apparaissent et disparaissent les fantômes des personnages et quelques-uns des vivants, invités au banquet donné par le nouveau roi.
On comprend qu’elle veuille traiter ce thème de la culpabilité mais pourquoi se priver de l’image symbolique du banquet où Macbeth n‘arrive pas à prendre place, entravé par le fantôme de Banquo? La mise en scène assez lourde sera bientôt oubliée mais le public a applaudi et c’est tant mieux. À tous ceux qui découvrent ici Macbeth, il manquera sans doute plusieurs dimensions de la pièce mais ils ne le sauront pas….

Christine Friedel

Jusqu’au 20 juillet, Comédie-Française, salle Richelieu, Place Colette, Paris ( Ier). T. : 01 44 58 15 15.